Asta Borromeo n. 9 – 27 Maggio 2017 – Senago, Arte Moderna e Contemporanea

Prevista per il prossimo 27 maggio 2017 l’asta di Arte Moderna e Contemporanea della Casa d’Aste Borromeo Studio d’Arte. La due sessioni si terranno nella sede di Via Piave 3/B 20030 Senago (Milano). Seconda sessione prevista per le ore 15.00 (lotti 501-826). La TopTen di SenzaRiserva.

Carla Prina, Senza titolo, olio su cartone, 47×38, 1963 – Lotto n. 646 – da asteborromeo.arsvalue.com
Carla Prina, Senza titolo, olio su cartone, 47x38, 1963
Carla Prina, Senza titolo, olio su cartone, 47×38, 1963 – Lotto n. 646 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Pittrice italiana nata a Como nel 1911, Carla Prina è stata la componente femminile del Gruppo degli astrattisti comaschi (Mario Radice, Manlio Rho, Carla Badiali, Aldo Galli).

Frequentata l’Accademia di Brera ra il 1932 ed il 1936 la Prina approfondì gli studi prima a Rodi poi a Roma dove fu sorpresa dallo scoppio della seconda guerra mondiale e costretta a tornare in famiglia. A Como conobbe l’architetto Alberto Sartoris, ispiratore e sostenitore delle istanze razionalistiche del Gruppo insieme a Giuseppe Terragni. In seguito visse in Svizzera.

Armonie nei rapporti delle forme ed una concezione di pittura molto vicina all’architettura, seppur resa nella piena bidimensionalità della superficie e della composizione, quella di Carla Prina che negli anni ’50 e ’60 si libera da un rigido geometrismo costruttivista per dar vita ad opere ispirate ad un estroso naturalismo cromatico. Forti i richiami a forme cristalline e organiche rese attraverso la scomposizione del colore caratterizzano le opere degli anni’60 (lotto n. 646 “Senza titolo”).

Di lei scrive il marito Alberto Sartoris: “alla potenza massiccia di Giuseppe Terragni, alle densità plastiche di Pietro Lingeri, al razionalismo lirico di Giovanni Vedres, all’agile e serrato tecrikismo di Cesare Cattaneo si univano le archipitture di Osvaldo Licini nelle loro ingiunzioni più categoriche, l’emozione plastica del mondo delicato e trasparente che costituisce la sostanza prima dell’intelligenza e della sensibilità di Carla Prina, le audaci intensità coloristiche di Mauro Reggiani […]” (da Alberto Sartoris, Tempo dell’Architettura Tempo dell’Arte. Cronache degli Anni Venti e Trenta, Fondazione Adriano Olivetti, 1990, p. 156). Stima: 5.000€/6.000€.

Mattia Moreni, L’incontro, olio su tela, 40×50, 1960 – Lotto n. 656 – da asteborromeo.arsvalue.com
Mattia Moreni, L’incontro, olio su tela, 40x50, 1960
Mattia Moreni, L’incontro, olio su tela, 40×50, 1960 – Lotto n. 656 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Mattia Moreni fu uno dei partecipanti al Gruppo degli Otto di Lionello Venturi fra il 1952 ed il 1954.

Nel 1953 a Frascati crea le prime opere della celebre serie delle “Staccionate” in cui l’artista riporta geometrismi puramente astratti ad un ‘linguaggio’ reale di base: il recinto.

Sensibile alle spinte informali (lotto n. 656 “L’incontro”) negli anni le geometrie si perdono, ma mai viene meno in Moreni il riferimento alla realtà, letta sempre in chiave esistenziale, ironica, disillusa.

Anzi l’artista creerà veri e propri simboli/protesta verso il mondo contemporaneo e allo stesso tempo opere cariche di nostalgia per una condizione di semplicità primigenia primitiva ed istintiva fino all’erotismo: baracche, pellicce, cartelli stradali, angurie antropoidi, grandi ‘sessi’, fino al famoso dissacrante ciclo degli uomini-computer. Una realtà dove non c’è posto per le distinzioni ma tutto si amalgama e si confonde, animato da una energia cosmica metamorfica che pervade in modo tumultuoso e crudele ogni aspetto dell’esistenza dal gesto, allo sguardo, all’oggetto, al paesaggio. Stima: 8.000€/10.000€.

Valentino Vago, C. M. 85, olio su tela, 160×130 1989 – Lotto n. 678 – da asteborromeo.arsvalue.com
Valentino Vago, C. M. 85, olio su tela, 160x130 1989
Valentino Vago, C. M. 85, olio su tela, 160×130, 1989 – Lotto n. 678 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Opera di dimensioni importanti dell’artista brianzolo Valentino Vago (classe 1931) al lotto n. 678 “C. M. 85” del 1989.

Potremmo definire la pittura di Vago in termini di pura ricerca spirituale. Prima di tutto per il richiamo naturalistico che nasce dal riferimento visuale più immediato: l’orizzonte. C’è sempre una linea di confine dove qualcosa può o sta per succedere nelle opere dell’artista di Barlassina, un limite che apre uno spazio reale e mentale infinito e carico di evocatività.

C’è poi una ricerca analitica e minimale che è approfondimento e studio del segno: il segno che l’artista traccia su questo orizzonte ma anche la testimonianza di una traccia certa dell’imperscrutabile. Vago sembra voler attraversare questo spazio, oppure fluttuarci sopra, o semplicemente guardare il cielo e cercare umilmente d’interpretarlo.

Opera lirica al confine fra arte minimale e analitica, non priva però di una spazialità interiore che consente all’artista di non far prescindere mai questa dal suo autore. Autore che dipinge pervaso, nella concezione platonica dell’artista, da un’ispirazione divina.

Non a caso negli anni ’80 Vago si dedica assiduamente alla decorazione di ambienti, soprattutto chiese: “ambienti fra cui, dagli anni Ottanta in poi, prevale abbastanza rapidamente la chiesa, il luogo della preghiera, che per l’artista diventa il contesto ideale in cui dare consistenza nel medesimo tempo e nel medesimo modo tanto all’aspetto spaziale-luministico quanto a quello simbolico e spirituale del lavoro” (da Valentino Vago. La bellezza dell’invisibile, a cura di Martina Corgnati, catalogo della mostra tenutasi alla Galleria San Carlo, Milano, 2011, p. 8). Stima: 11.000€/13.000€.

Gottardo Ortelli, Senza titolo, acrilici su tela, 95x130x4, 1975 – Lotto n. 683 -da asteborromeo.arsvalue.com
Gottardo Ortelli, Senza titolo, acrilici su tela, 95x130x4, 1975
Gottardo Ortelli, Senza titolo, acrilici su tela, 95x130x4, 1975
– Lotto n. 683 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Gottardo Ortelli, artista di Viggiù, sta vivendo una recente riscoperta da parte del mercato. In particolare per le opere del periodo analitico.

È infatti nel triennio 1974-1976 che Ortelli dà vita al cosiddetto ciclo “Immersione totale”. Si tratta di dipinti scanditi da linee verticali in monocromia dove il tratto minimale dell’artista si caratterizza per la variabilità dello spessore sia sulla riga che nell’alternanza. Questa particolarità genera effetti cangianti a seconda del punto di vista. Inoltre, attraverso le leggere trasparenze della linea sulla tela ‘grezza’, in un reticolo di varia opacità, Ortelli introduce al concetto spaziale ed architettonico di ‘immersione’.

Opere dunque che hanno riferimenti non sono analitici, ma anche optical vicini alle coeve ricerche degli anni ’70 e che citano i concetti di reciproca ‘invasione’ del campo pittorico da parte della pittura stessa e della realtà.

Bella e importante l’opera ‘duale’ al lotto n. 683 “Senza titolo” che suggerisce quasi il coinvolgimento stereoscopico del processo immersivo in atto. Stima: 8.000€/10.000€.

Lucio Del Pezzo, La fênetre, assemblaggio e acrilici su tavola, 65x50x12, 1968 – Lotto n. 753 – da asteborromeo.arsvalue.com
Lucio Del Pezzo, La fênetre, assemblaggio e acrilici su tavola, 65x50x12, 1968
Lucio Del Pezzo, La fênetre, assemblaggio e acrilici su tavola, 65x50x12, 1968 – Lotto n. 753 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Lucio Del Pezzo nasce a Napoli nel 1933. Qui fu fra i fondatori del Gruppo 58  di ispirazione surrealista e neo-dadaista con Nanni Balestrini, Guido Biasi, Giuseppe Alfano, Edoardo Sanguinetti, Mario Colucci, Bruno Di Bello, Sergio Fergola, Luigi Castellano, Mario Persico.

L’intento del Gruppo era quello di “chiudere il tormentoso rubinetto dell’inconscio e di gettare un ponte tra il presente della nostra civiltà spirituale e l’origine, dimostrando quanto questa civiltà sia ancora capace di cantare con semplicità le albe primordiali pulsanti nella memoria del suo sangue” come si legge nel Manifesto. Intenti che hanno punti di convergenza con il milanese Movimento Nucleare.

Dal 1960 Del Pezzo lascia Napoli ed è a Parigi, poi a Milano. L’esperienza parigina apre l’artista alle ricerche d’oltralpe condotte nel solco del Nouveau Réalisme di Pierre Restany.

Da queste radice prendono vita le opere più originali di Del Pezzo fra rimandi folkloristici all’oggettualità partenopea, ironia antiborghese e intertestualità culturali di matrice psicanalitica, simbolica e metafisica.

Un’arte ludica i cui risultati migliori si trovano in questi assemblaggi degli anni ’60 (lotto n. 753 “La fênetre”): quadri-sculture con mensole e oggetti su cornici monocrome dove si ritrova la decontestualizzazione pop della citazione colta tipicamente italiana resa però atto meta-pittorico in sé nel segno di una giocosa demistificazione. Stima: 10.000€/12.000€.

Mario Schifano, Senza titolo, smalto e acrilico su tela con cornice dipinta, 80×120, prima metà anni 80 – Lotto n. 762 – da asteborromeo.arsvalue.com
Mario Schifano, Senza titolo, smalto e acrilico su tela con cornice dipinta, 80x120, prima metà anni 80
Mario Schifano, Senza titolo, smalto e acrilico su tela con cornice dipinta, 80×120, prima metà anni 80 – Lotto n. 762 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Bellissimo “Campo di pane” di Mario Schifano al lotto n. 762 “Senza titolo”. Sono le opere degli anni ’80 a nostro giudizio le più ‘vere’ dell’uomo Schifano.

Se negli anni ’60 l’artista si rifà alle contemporanee esperienze americane, seppur interpretate in modo assai originale, e nei ’70 si dedica ad una produzione talvolta seriale; negli ’80 Schifano crea le serie (gli acerbi, le case sole, i gigli d’acqua, gli orti botanici etc…) che lo riportano a ‘riconsiderare’ la realtà con nuova sensibilità, tanto che Achille Bonito Oliva lo definisce “transavanguardista tra virgolette”.

Da ricordare che Schifano è presente nel 1982 alla XL Biennale di Venezia curata da Gian Alberto Dell’Acqua, e che ci sarà nuovamente nelle due edizioni successive del 1984 e del 1986.

Gli ’80 saranno inoltre  gli anni delle nuove sperimentazioni sui linguaggi tecnologici, delle tele computerizzate e delle ricerche sull’infantilismo seguite alla nascita del figlio Marco nel 1985. Stima: 15.000€/17.000€.

Tano Festa, Senza titolo, dittico di acrilici su tela, 40×80, 1976 – Lotto n. 774 da asteborromeo.arsvalue.com
Tano Festa, Senza titolo, dittico di acrilici su tela, 40x80, 1976
Tano Festa, Senza titolo, dittico di acrilici su tela, 40×80, 1976 – Lotto n. 774 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Originale dittico di Tano Festa, altro artista protagonista della Scuola di Piazza del Popolo e dell’arte pop italiana al lotto n. 774 “Senza titolo”.

Il soggetto non è così originale, rimanda infatti al ciclo “Da Michelangelo” cioè alle opere ispirate alla “Creazione di Adamo” di Michelangelo Buonarroti nella volta della Cappella Sistina, di cui Vasari scrive: “[Nella] creazione di Adamo, [Michelangelo…] ha figurato Dio portato da un gruppo di Angioli ignudi e di tenera età, i quali par che sostenghino non solo una figura, ma tutto il peso del mondo, apparente tale mediante la venerabilissima maiestà di quello [Dio] e la maniera del moto, nel quale con un braccio cigne alcuni putti, quasi che egli si sostenga, e con l’altro porge la mano destra a uno Adamo, figurato di bellezza, di attitudine e di dintorni di qualità che e’ par fatto di nuovo dal sommo e primo suo creatore più tosto che dal pennello e disegno d’uno uomo tale” (da Le vite de’ più eccellenti pittori, scultori e architettori, Michelangnolo, 1568).

Originale invece è il mix iconografico con il quale Festa compone il suo lessico: intanto il dittico, che sembra spezzare in due l’atto della creazione, o meglio isolare le due mani nel pannello di destra, quasi in una zona irraggiungibile. Nel pannello di sinistra invece varie tonalità di cielo, tenute ferme, ancorate alla realtà da una cerniera per persiane, quasi l’artista volesse rappresentare in un unicum la terra e il cielo, la concretezza della speranza  e l’irraggiungibilità della perfezione. Stima: 8.000€/10.000€.

Jiri Kolar, Chassés du paradis, collage e tecnica mista su tavola, 40×30, 1991 – Lotto n. 798 – da asteborromeo.arsvalue.com
Jiri Kolar, Chassés du paradis, collage e tecnica mista su tavola, 40x30, 1991
Jiri Kolar, Chassés du paradis, collage e tecnica mista su tavola, 40×30, 1991 – Lotto n. 798 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Il tema di Adamo torna al lotto n. 798 “Chassés du paradis” del grandissimo Jiří Kolář, il padre del collage.

Kolář riprende il tema della cacciata di Adamo ed Eva dal Paradiso da Masaccio che dipinge l’affresco con lo stesso soggetto durante il lavoro di decorazione della Cappella Brancacci, nel transetto della Chiesa di Santa Maria del Carmine a Firenze. L’affresco è una delle maggiori testimonianze di umanesimo rinascimentale nella resa realistica dei due personaggi.

Sotto Kolář inserisce invece un estratto di un celebre ritratto di una delle amanti di Pablo Picasso, Dora Maar, fotografa jugoslava, conosciuta nel 1936.

Si direbbe dunque essere questa un’opera concettuale dove l’artista ceco crea quasi un compendio della storia universale: dal peccato originale all’amore carnale, il tutto inserito in una cornice dove il dinamismo e la forza delle figure è accompagnata da una diagonale ‘astrale’, mentre la complessità dei significati e quasi dell’esegesi viene espressa dal bellissimo e tipico collage di ritagli di giornale dove ogni parola fa assurgere un nuovo valore semantico all’impianto visuale. Stima: 3.300€/3.500€.

Magdalo Mussio, Senza titolo, tecnica mista su tavola, 78×68, 1990 – Lotto n. 803 – da asteborromeo.arsvalue.com
Magdalo Mussio, Senza titolo, tecnica mista su tavola, 78x68, 1990
Magdalo Mussio, Senza titolo, tecnica mista su tavola, 78×68, 1990 – Lotto n. 803 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Artista volterrano, classe 1925, Magdalo Mussio frequenta l’Accademia di Belle Arti a Firenze. Redattore della rivista culturale Marcatré, fu poi docente all’Accademia di Belle Arti di Macerata nelle Marche.

“Parlare di sé, del proprio scadimento, dell’articolarsi della memoria e il contrapporsi ad essa per farne un episodio di felicità; un grafema che si affianca a una voce non udibile nel tempo camuffato; un atto che dimentica subito il proprio fare e la felicità ritorna a essere un nero episodio della memoria di sé… Si parla di ‘scrittura’ e anche di ‘antiscrittura’, del crinale sul quale si opera. Altri ne debbono parlare. Mi sembrano cose lontane. Non saprei…” (dal Catalogo della mostra Segno e poesia, Centro d’arte Bellora, Milano, 1986).

Poesia visiva sicuramente questa di Mussio al lotto n. 803 “Senza titolo”: carte geografiche della coscienza e dell’anima dell’artista che colloca parole significative in uno spazio ‘sindonico’; sul cuore, la testa, i piedi; e poi ci traccia dei segni come frustate, forature come stigmate, connessioni che si sbiadiscono, più o meno, nella memoria. Stima: 4.800€/5.200€.

Gianni Emilio Simonetti, Metafora insegue tagliola dentro la trappola, tecnica mista su tela, 101×101, 1968 – Lotto n. 805 – da asteborromeo.arsvalue.com
Gianni Emilio Simonetti, Metafora insegue tagliola dentro la trappola, tecnica mista su tela, 101x101, 1968
Gianni Emilio Simonetti, Metafora insegue tagliola dentro la trappola, tecnica mista su tela, 101×101, 1968 – Lotto n. 805 – Immagine da asteborromeo.arsvalue.com – Asta Borromeo Studio d’Arte n. 9

Altro artista che sta vivendo un buon momento di mercato è Gianni Emilio Simonetti. Esponente del situazionismo italiano e del movimento Fluxus Simonetti mette in scena nelle sue opere un ‘teatro dell’assurdo’ fatto di intelligenza, bisticci di linguaggio e sinestesie che catturano lo spettatore nella performance dell’autoreferenzialità dell’arte.

Scrittore e saggista, artista ironico anche sul concetto stesso di arte concettuale, si definisce “artista-teorico-rivoluzionario” e, nella nota biografica di un suo libro scrive: “Gianni-Emilio Simonetti, nato a Roma, vive sul Lago Maggiore. Filosofo, già esponente di rilievo del pensiero ‘situazionista’, si occupa anche di disagio psichico, di arte contemporanea e di cultura della cucina.

Tra i fondatori della rivista La gola è senz’altro uno dei maggiori esperti italiani di cultura gastronomica. Per le nostre edizioni è autore di L’agonia e i suoi sarti. 1968-1998: le ragioni dell’assalto e quelle della resa (1998), La domesticazione sociale (2001) e La vivandiera di Montélimar. Il secolo delle rivolte logiche e la nascita della cucina moderna nelle memorie di una petroleuse (2004)” (da Gianni-Emilio Simonetti, La sostanza del desiderio. Cibo, piaceri e cerimonie, DeriveApprodi, 2005).

Bella l’opera al lotto n. 805 “Metafora insegue tagliola dentro la trappola”, del 1968, che ben esemplifica, già dal titolo, la complessità e l’acutezza beffarda dell’artista romano. Stima: 8.000€/10.000€.

Asta Farsettiarte n. 180 – 26 e 27 Maggio 2017 – Prato, Arte Moderna e Contemporanea

L’Asta n. 180 della Casa d’Aste Farsettiarte di Prato si terrà in tre sessioni nei giorni 26 e 27 Maggio: Sessione I – lotti 1-317, 26 Maggio, ore 15.30; Sessione II – lotti 318-575, 27 Maggio, ore 11.00; Sessione III – lotti 601-702, 27 Maggio, ore 16.00.

Luigi Veronesi, Senza titolo, tecnica mista su carta, 31.2×41, 1937 – Lotto n. 264 – da farsettiarte.it
Luigi Veronesi, Senza titolo, tecnica mista su carta, 31.2x41, 1937
Luigi Veronesi, Senza titolo, tecnica mista su carta, 31.2×41, 1937 – Lotto n. 264 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Una tecnica mista su carta del 1937 di Luigi Veronesi “Senza titolo” come questa al lotto n. 264, di tale qualità, non è opera che si vede passare spesso in asta.

Nato a Milano nel 1908 la formazione pittorica di Veronesi fu perlopiù da autodidatta. Dopo un inizio figurativo, nel 1930 fu folgorato dalla ‘scoperta’ delle opere di Klee, Schlemmer, Kandinskij e gli altri artisti del Bauhaus esposti nel padiglione Germania alla Biennale di Venezia.

Gli anni ’30 dunque segnano il nascere del linguaggio geometrico astratto di Veronesi, una delle prime testimonianze astratte in Italia insieme a quelle di Mauro Reggiani e dei comaschi Manlio Rho e Mario Radice.

Uno spirito ‘illuministico’, una rinnovata fiducia nella scienza e nella collaborazione fra arte e tecnica, l’apertura alla molteplicità delle arti applicate e un approfondimento delle tematiche percettive animano le opere di Veronesi.

Veronesi che non accoglierà mai le teorie mistiche e spiritualiste propugnate da Carlo Belli all’interno del gruppo degli astrattisti milanesi, rimanendo sempre fedele ad una ispirazione che non trascende le forme naturali: “gli stimoli mi vengono tutti dal pensiero, dal cervello; però, siccome io studio molto la natura in tutte le sue manifestazioni, anche le meno appariscenti, e ricerco specialmente la geometria in essa, probabilmente mi arrivano degli stimoli anche da queste osservazioni” (da L. Marucci, Vivere la geometria. Incontro con Luigi Veronesi, in “Luigi Veronesi. Razionalismo lirico 1927-1997”, p. 33). Stima: 2.500€/3.500€.

Antonio Bueno, Omaggio alla Scuola di Fontainebleau, olio su tela, 89×119.5, 1961 – Lotto n. 310 – da farsettiarte.it
Antonio Bueno, Omaggio alla Scuola di Fontainebleau, olio su tela, 89x119.5, 1961
Antonio Bueno, Omaggio alla Scuola di Fontainebleau, olio su tela, 89×119.5, 1961 – Lotto n. 310 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Antonio Bueno è stato un’artista italiano di origini spagnole (ottenne la cittadinanza italiana nel 1970).

Nato a Berlino, nel 1940 si trasferì in Italia con il fratello Xavier. Entrambi parteciparono al Gruppo dei Pittori Moderni della Realtà con Gregorio Sciltian e Pietro Annigoni.

Il Gruppo avrà vita breve anche per l’inquietudine di Antonio che fu uno sperimentatore aperto alle avanguardie e desideroso di crearsi uno stile personale.

A cavallo degli anni ’50 e ’60 il linguaggio di Bueno subisce profonde trasformazioni, passando da un decennio di sperimentazioni metafisiche dove la figura umana ha poco spazio (la fanno da padrone pipe, gusci d’uovo, pennelli) ad un altro in cui l’artista tocca l’arte monocromatica, la poesia visiva, l’arte multimediale, la pop art.

Le precocissime figure in asta nell'”Omaggio alla Scuola di Fontainebleau” al lotto n. 310 sono un interessantissimo e bellissimo esempio di quei personaggi neotenici che caratterizzeranno l’originale figurazione di Antonio.

L’opera compie una perfetta sintesi delle tensioni presenti nella personalità dell’artista di origini spagnole: quelle verso una pittura colta, allegorica, decorativa nel manierismo, rinascimentale nella perfezione formale, insieme erotica e investita di sacralità. Al lotto n. 310 c’è tutto questo, in una estremizzazione ‘astratta’ di quelle figure perfette di donna rappresentate, per esempio, nel celebre dipinto “Gabrielle d’Estrées e sua sorella” opera di ignoto della Scuola di Fontainebleau del 1595 circa dove nel tocco del capezzolo dell’amante dell’imperatore da parte della sorella si prefigura la nascita dell’erede al trono, il figlio di Enrico IV. Stima: 12.000€/20.000€.

Claudio Cintoli, Radice Fessura – Peso Morto n. 75, 1969-1970 – Lotto n. 492 – da farsettiarte.it
Claudio Cintoli, Radice Fessura - Peso Morto n. 75, 1969-1970
Claudio Cintoli, Radice Fessura – Peso Morto n. 75, 1969-1970 – Lotto n. 492 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Breve è stata l’esistenza di Claudio Cintoli, artista nato ad Imola nel 1935 e morto a Roma nel 1978. Le prime personali risalgono al 1958 al Palazzo Comunale di Recanati e poi alla Galleria La Medusa di Roma.

Le opere giovanili, fino alla prima metà degli anni ’60 mostrano dapprima una figuratività emotiva ed espressiva vicina ad autori quali Ennio Morlotti e Antonio Corpora, che presto però si apre all’informale europeo con echi da Kline ad Hartung.

L’opera al lotto n. 492 “Radice Fessura – Peso Morto n. 75” anticipa invece le ricerche successive dell’artista romagnolo. Queste saranno caratterizzate da una duplicità che mostra da un lato una tensione verso l’azzeramento dell’arte pop (in quest’opera riscontrabile nel framing e nella monocromia) dall’altro in un bisogno di riflessione esistenziale sull’essere al mondo e sulla sofferenza.

L’artista recupera infatti all’interno dell’inquadratura percettiva un elemento magmatico e naturale, legato anche al mondo contadino, che gli consente simbolicamente di toccare tematiche allo stesso tempo concrete e metafisiche: la vita, la morte, la nascita, la caduta.

Opera che preannuncia le originali sperimentazioni e performance di Cintoli sulla body art. Si pensi a “Crisalide”, azione presentata nel 1972 a Palazzo Taverna di Roma, performance estrema così descritta dall’artista: “sarò chiuso in un sacco sospeso a un muro, muovendomi dentro in modo che il sacco assuma posizioni sempre diverse; poi lo forerò pian piano per uscirne, come in una rinascita”. La radice che rinasce dalla fessura. Stima: 25.000€/35.000€.

Antonio Sanfilippo, Senza titolo, tempera su tela, 81×54, 1958 – Lotto n. 541 – da farsettiarte.it
Antonio Sanfilippo, Senza titolo, tempera su tela, 81x54, 1958
Antonio Sanfilippo, Senza titolo, tempera su tela, 81×54, 1958 – Lotto n. 541 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Nato nel 1923 a Partanna in provincia di Trapani, Antonio Sanfilippo frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e quella di Palermo. Nel primo dopoguerra sposa le istanze di rinnovamento neocubista ma ben presto aderisce, nel 1947 a Roma, al Gruppo Forma 1 nel desiderio di un’arte attenta al formalismo ma anche impegnata nel reale.

È alla Biennale di Venezia nel 1948, nel 1954, nel 1964 e nel 1966 con sala personale.

L’opera di Sanfilippo percorre il solco dell’informale segnico. Alla fine degli anni ’60 stretta si fa la sua conoscenza con Michel Tapié che lo coinvolge nel suo movimento dell’art autre portandolo fino ad esporre accanto a Pollock, Kline, de Kooning e i giapponesi del Gruppo Gutai ad Osaka.

Scrive Sanfilippo qualche anno prima di dipingere l’opera al lotto n. 541 “Senza titolo”, nel 1955: “l’espressione per mezzo dei semplici segni posti sulla tela con immediatezza riporta la pittura agli inizi e dà ad essa un grande possibilità di sviluppo. Il segno è l’elemento essenziale dell’espressione, il primo grado della forma, l’articolazione del linguaggio. Alla base di questa ricerca vi è la volontà di scoprire una primordialità innata, necessaria.

In un quadro l’immagine viene determinata da un complesso di articolazioni di segni legati o sovrapposti in raggruppamenti che creano spazio ed emozione. Una rappresentazione concentrata ed essenziale. Occorre però che il segno sia suggestivo in sé stesso e abbia una capacità evocatrice. Si dovrà dimenticare ogni altro luogo comune attraverso questo segno povero che non ha né storia né tradizione” (da Fabrizio D’Amico, Antonio Sanfilippo 1923-1980, Milano 2001 pp. 169). Stima: 30.000€/40.000€.

Mario Schifano, Il cacciatore, smalto e sabbia su tela, 250×200, 1985-1986 – Lotto n. 552 – da farsettiarte.it
Mario Schifano, Il cacciatore, smalto e sabbia su tela, 250x200, 1985-1986
Mario Schifano, Il cacciatore, smalto e sabbia su tela, 250×200, 1985-1986 – Lotto n. 552 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Opera monumentale di Mario Schifano, “Il cacciatore” al lotto n. 552.

L’arco ebbe un ruolo assai importante nelle più antiche civiltà indoeuropee. La sua etimologia viene variamente riferita al sanscrito “filo”, al greco bios, all’albero cosmico dei miti nordici. Si tratta dunque di un simbolo primigenio di forza.

Non a caso il soggetto popola il nostro immaginario culturale fin dai racconti omerici: Ulisse per mezzo di esso riconquista la propria patria e uccide i Proci dopo un lungo peregrinare assurgendo attraverso di esso alla rinascita di una nuova vita.

Si tratta di un soggetto che calza perfettamente nella pittura degli anni ’80 dell’artista romano: gli acerbi, i soli, i pesci, i campi di pane, i gigli d’acqua, le case sole, i dinosauri che altro non sono se non la riappropriazione di una sensibilità ed una purezza espressiva che nasce con Mario Schifano e che l’artista riscopre in questo decennio dopo la stanchezza artistica e i problemi depressivi degli anni ’70. Schifano ritrova la realtà, l’amore per le cose, oltre lo schermo delle apparenze e l’artificiosità delle leggi mass-mediali della società contemporanea. Schifano in questi cicli riscopre, attraverso il mito, la forza della semplicità. Stima: 30.000€/40.000€.

Vincenzo Agnetti, Assioma – Territorialità, bakelite incisa e dipinta, vernice nitro bianca, metro incollato, 70×70, 1972 – Lotto n. 567 – da farsettiarte.it
Vincenzo Agnetti, Assioma - Territorialità, bakelite incisa e dipinta, vernice nitro bianca, metro incollato, 70x70, 1972
Vincenzo Agnetti, Assioma – Territorialità, bakelite incisa e dipinta, vernice nitro bianca, metro incollato, 70×70, 1972 – Lotto n. 567 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Vincenzo Agnetti nasce a Milano nel 1926. Frequenta l’Accademia di Brera e partecipa con Piero Manzoni, Enrico Castellani e in seguito Agostino Bonalumi alla redazione della rivista d’avanguardia Azimuth di cui è il vero teorico e animatore: arte concettuale e una smisurata fiducia nella possibilità d’intervento dell’arte nella società e sulla realtà è alla base del lavoro di questi artisti.

La prima personale è nel 1967 (Principia) presso il Palazzo dei Diamanti di Ferrara.

Nel 1971 Agnetti espone alla Galleria Blu di Milano una serie di feltri e bacheliti. Il titolo della mostra è Ridondanza: paesaggi e ritratti Analisi: assiomi… Gli “Assiomi” (lotto n. 567) sono lastre di bachelite incise e trattate con colori ad acqua o nitro in cui l’artista propone proposizioni assiomatiche.

Si tratta spesso di contraddizioni, ossimori, paradossi, tautologie in cui Agnetti raffredda e analizza con rigore la “ridondanza” del paesaggismo coscienziale espresso nei “feltri”. “Territorialità” non è altro che una linea geometrica, una perentorietà vocale ridicola e crudele nell’espressione che demistifica il processo edulcorante della rappresentazione paesaggistica soggettiva basata su una emotività. Stima: 55.000€/75.000€.

Gino De Dominicis, Opera ubiqua, tempera e foglia oro su tavola, 84×70, 1993 – Lotto n. 572 – da farsettiarte.it
Gino De Dominicis, Opera ubiqua, tempera e foglia oro su tavola, 84x70, 1993
Gino De Dominicis, Opera ubiqua, tempera e foglia oro su tavola, 84×70, 1993 – Lotto n. 572 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Artista non assimilabile a correnti artistiche Gino De Dominicis è stato sicuramente un intellettuale che ha saputo, attraverso le sue opere e le sue performance, condurre una ricerca critica di matrice esistenziale di altissimo spessore filosofico.

Dagli esordi con il Gruppo Laboratorio ’70, formato da Gianfranco Notargiacomo, Paolo Matteucci e Marcello Grottesi l’artista si è espresso fino alla fine degli anni ’70 soprattutto con installazioni ed azioni performative nell’intento di esprimere un senso critico ed una riflessione esistenziale che uscisse fuori dalle gallerie d’arte.

Una profonda cesura nel sistema filosofico dell’artista di Ancona è riscontrabile all’inizio degli anni ’70. Al nichilismo degli anni ’60 il cui testo di riferimento, di suo pugno, è la “Lettera sull’immortalità del corpo”, De Dominicis fa succedere una visione dell’universo quale ente immobile e senza tempo, fase che l’artista inaugura con l’opera “Seconda soluzione d’immortalità (L’Universo è Immobile)” presentata alla Biennale di Venezia del 1972.

L'”Opera ubiqua” (lotto n. 572) è l’opera che può essere proiettata, il profilo che fa ombra, la pigolante bocca vivente di una presumibile e contemporanea esistenza in mondi paralleli; nata dal magma dell’esistenza, partecipe della foglia d’oro della sacralità, dualità di luce e ombra, insieme concavità e convessità, visibile e invisibile.

“Io, nell’arte, ho realizzato disegni, dipinti, ‘sculture’ (opere tridimensionali), opere invisibili, opere ubique, architetture, e in qualche occasione ‘ossimori fisici’ e opere ‘omeopatiche'” (da Frasi di Gino de Dominicis 1969-1996 raccolte da Cecilia Torrealta, p.142). Stima: 140.000€/220.000€.

Massimo Campigli, Donne al sole (L’attesa), olio su tela, 88.7×68.5, 1931 – Lotto n. 655 – da farsettiarte.it
Massimo Campigli, Donne al sole (L'attesa), olio su tela, 88.7x68.5, 1931
Massimo Campigli, Donne al sole (L’attesa), olio su tela, 88.7×68.5, 1931 – Lotto n. 655 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Nato a Berlino nel 1895 Massimo Campigli trascorre l’infanzia e la prima adolescenza a Firenze con la nonna materna e la zia, poi scoperta essere sua madre. Nel 1909 è a Milano dove lavora per il Corriere della Sera e frequenta gli ambienti ed intellettuali futuristi.

Arruolato dopo le vicende belliche è nuovamente corrispondente per il Corriere da Parigi. Intanto coltiva anche la pittura.

Nel 1925 è presente nei saloni parigini: al Salon des Indèpendants, al Salon des Tuileries, al Salon d’Automne. Nel 1926 a Milano espone alla “Prima Mostra del Novecento”.

E il linguaggio di Campigli si confà, almeno in apparenza, allo spirito del movimento di Margherita Sarfatti con la celebrazione patriottica dei fasti e della purezza dell’italianità. Donne ideali, madri, dipinte come ad affresco, etrusche (nel 1928 Campigli visita il Museo di Villa Giulia a Roma e le Terme di Diocleziono rimanendo affascinato dalla ritrattistica dei bassorilievi), antiche, tornite e forti come statue, dritte, con le braccia alzate a riparare non solo il sole ma qualunque male. Eppure anche donne dal volto in ombra, inconoscibili, come quelle della sua storia familiare al lotto n. 655 “Donne al sole (L’attesa)”. Stima: 90.000€/130.000€.

Atanasio Soldati, Natura morta, olio su tela, 64.1×85.1, 1944 – Lotto n. 678 – da farsettiarte.it
Atanasio Soldati, Natura morta, olio su tela, 64.1x85.1, 1944
Atanasio Soldati, Natura morta, olio su tela, 64.1×85.1, 1944 – Lotto n. 678 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Atanasio Soldati è stato uno dei principali esponenti della ricerca astratta italiana nella Milano degli anni ’30.

Il lotto n. 678 in asta, oltre ad essere un olio su tela di notevole bellezza e qualità pittorica, documenta anche un periodo dell’attività dell’artista poco noto, poiché appartenente al triennio 1943-1945 quando l’artista partecipò alla Resistenza e fu eletto presidente del Comitato di Liberazione Nazionale dell’Accademia di Brera.

Soldati nel dopoguerra condurrà invece una ricerca esclusivamente astratta in modo particolare dopo il nascere del M.A.C. Movimento Arte Concreta di cui l’artista parmense fu uno dei promotori nel 1948.

“L’opera di Atanasio Soldati risente di queste fondamentali matrici delle avanguardie che egli compendia in modo singolare ai fini della definizione di un personale mondo poetico, nel quale le immagini astratte si combinano naturalmente con le suggestive atmosfere metafisiche” (da M. Ursino, Nel centenario della nascita una retrospettiva di Atanasio Soldati a Parma, in “Riforma amministrativa”, gennaio-febbraio 1997, p. 18).

E ancora: “[…] la folta mitologia dechirichiana è sciolta da ogni riferimento troppo complesso e riproposta in termini francamente psicologici, svuotati da qualunque senso simbolico e da qualsiasi enigma” (da M. Meneguzzo, Atanasio Soldati, Milano 1983, p. 5). Stima: 55.000€/75.000€.

Ottone Rosai, Carabinieri, olio su tela, 79×50, 1927 – Lotto n. 682 – da farsettiarte.it
Ottone Rosai, Carabinieri, olio su tela, 79x50, 1927
Ottone Rosai, Carabinieri, olio su tela, 79×50, 1927 – Lotto n. 682 – Immagine da farsettiarte.it – Asta Farsettiarte n. 180

Un Ottone Rosai storico al lotto n. 682 “Carabinieri”, del 1927. Sregolato e saltuario frequentatore dell’Accademia di Belle Arti fiorentina Rosai fu amico di intellettuali e artisti quali Giovanni Papini e Ardengo Soffici.

Dopo un primo periodo futurista e cubista è negli anni ’20 e ’30 che l’artista acquisisce quella personalità e quel rigore formale che renderanno la sua opera unica.

Ci sono i volumi e i colori di Cézanne nella pittura di Rosai, c’è il rigore di Masaccio, ma c’è soprattutto lui, Rosai, col suo tormento di uomo inquieto, segnato dal suicidio del padre in Arno nel 1922, dall’omosessualità, dalle speranze anticlericali del primo Mussolini, dall’idea di un mondo bieco, fatto da persone incapaci di comunicare, condannate a un mutismo esistenziale che l’artista traduce nel loro porsi di schiena anche quando iperbolicamente giganteggiano in qualità di protettori per le vie strette di una città fantasma. Opera magnifica. Stima: 40.000€/55.000€.